... ajena a su control

En un mundo mejor

2012-02-13T10:24:00.009Z

Me reconozco fiel seguidora del cine danés. Y aunque es posible que éste albergue bodrios como cualquier otro, lo cierto es que la mayoría de sus cintas tienen un acabado técnico admirable, algunas con regusto a ‘Dogma 95’ y esa solemne preocupación por la naturaleza benévola o maligna del alma humana, con el corrosivo Lars Von Trier y Zentropa Producciones como eternos maestros de ceremonias.

En este caso, es Susanne Bier la que azota conciencias desde el prisma discursivo de que nada es blanco ni negro, sino más bien un complejo abanico de grises.

Para ello, qué mejor manera que situar al espectador en la frontera Norte-Sur, primer y tercer mundo para darnos cuenta de que el paralelismo es aplastante y todos los mundos son bastante parecidos, lo que amortaja el siempre maniqueísta esquema mental transmitido por los medios de comunicación con respecto a la representación del continente africano y en general todo lo que no es primermundista. Ese perfil por el que entendemos que el tercer mundo no es más que un rincón del mundo completamente hostil, cuando en realidad la espiral de violencia viene vertebrando el ancho planeta. Ya sea a modo directo y descarnado en un campo de refugiados en África como en forma de maltrato escolar o bullying en un país aparentemente avanzado como Dinamarca.

Así pues, con un magnífico pulso dramático que se mantiene durante las casi 2 horas de metraje, la cinta focaliza en dos estructuras familiares, que si bien parecen derruidas, luchan y se enfrentan a las vicisitudes, gritan, lloran, su autocuestionan, se desdicen, sólo para mostrarnos que en cualquier rincón del planeta, todos estamos librando alguna batalla, del tipo que sea.

Y desde esa tensión en voz baja y unas interpretaciones solemnes, sobre todo la de los dos niños, la cinta profundiza en los trastornos de carácter en la pubertad y las dificultades que enfrentan los padres al intentar acercarse a sus hijos. Una edad en la que se está formando su escala de valores y perfilando la noción de los límites entre lo que se da y lo que se recibe, entre lo que es la valentía y la cobardía. Un período crítico en el que asaltan las dudas en tanto en cuanto los aprendizajes derivados de la educación familiar entran en contacto con los del entorno.

De ahí la dualidad entre el niño bueno, mártir y el otro rabioso, que no sabe hacia dónde ni contra qué expulsar su dolor, ni sobre todo, la frustrante sensación de no entender y mucho menos asumir a los 11 años que los seres humanos hemos venido aquí de un modo finito.

Por otra parte, además de sentar en el banquillo esa ceguera que impera en las instituciones ante el maltrato escolar, la cinta plantea la dificultad de poner en práctica esos principios en los que se basa cualquier ONG respetable, léase neutralidad e imparcialidad.

Porque, ¿cuándo la imparcialidad deja de ser un principio para convertirse en un aliado de la violencia? ¿Se puede practicar ésta cuando es tu dignidad o la de otro la que entran en confrontación? Ya se sabe que la desesperación de unos es el alivio de otros. Y como todo es siempre relativo, la dignidad y el respeto serían la única tabla de la ley ante la que todo debería imperar. De ahí que en esta crispada atmósfera en la que nos movemos, véase la situación de Grecia o el juicio a Garzón, se haga tan necesaria la militancia y el activismo. Porque, como decía Edmund Burke, ‘lo único necesario para el triunfo del mal es que los buenos no hagan nada’.

Así que la directora danesa, que posee una exitosa carrera con cintas como Te quiero para siempre (Elsker dig for evigt, 02’) o Después de la boda (Efter brylluppet, 06’) y no tanto con su periplo estadounidense -Cosas que perdimos en el fuego (Things We Lost in the Fire, 07’) aporta aquí su granito de arena.

Y lo hace además a lomos de una narración clásica plagada de grandes intérpretes, como Mikael Persbrandt (Anton) o Trine Dyrholm (Marianne) y Ulrich Thomsen (Claus), a los que recordamos en aquella grandeza llamada Celebración (Festen, 98’), que dio el pistoletazo de salida al movimiento ‘Dogma 95’ junto a Los idiotas (Idioterne, 98’). Aquella en la que también participó, al igual que En un mundo mejor con un papel minúsculo, Bodil Jorgensen. Grande por aquélla y por otras perlas del cine danés contemporáneo como Dark Horse (Voksne mennesker, 05’).

Susanne Bier explicaba que la película explora las limitaciones con las que nos encontramos al intentar controlar la sociedad y nuestras vidas personales. Plantea la pregunta de si nuestra “avanzada” cultura es el modelo para un mundo mejor, o si la misma desorganización que produce la ausencia de leyes se agazapa justo debajo de la superficie de nuestra civilización. ¿Somos inmunes al caos o nos tambaleamos al borde del abismo del desorden, ajenos a la realidad? ‘

En definitiva, esta es una de esas películas a las que llamamos necesaria. Valorable por un lado, por la cantidad de preguntas que lanza al espectador en torno al uso de la violencia y su puntual justificación, y por otro, por la justa y humana lectura que hace del “héroe”, ese médico que en mitad de un campo de refugiados, y pese a sus debilidades, intenta hacer que prevalezca el código ético profesional, dando a entender que la violencia nunca será un camino y que la salud y por tanto la vida, es y debe ser, siempre, un derecho inalienable y fundamental del ser humano. Algo que rescata la a día de hoy casi olvidada Declaración Universal de los Derechos Humanos, que desde organizaciones como Amnistía Internacional por citar a una, se lucha por traer al primer plano mediático, para seguir alimentando la necesaria incidencia de estos temas en la agenda política.

Es por tanto de agradecer que la cineasta recupere y lance estas cuestiones a un mundo que parece haber perdido el norte, que sigue evidenciando la fatalidad del tercer mundo sin percatarse de la del suyo propio. Así pues, Venganza (que es la verdadera traducción del título), se convierte en un auténtico ejercicio de meditación personal en torno a la justicia y a la humanidad en los tiempos del cólera.

Sinopsis oficial

Anton es médico y divide su tiempo entre una pequeña ciudad idílica en Dinamarca y su trabajo en un campo de refugiados en África. En estos dos mundos tan diferentes, él y su familia se enfrentan a conflictos que les empujan a escoger entre la venganza y el perdón.
Anton y su esposa Marianne tienen dos hijos, están separados y consideran la posibilidad de divorciarse. El mayor de sus hijos, Elías, de diez años, sufre el constante acoso de unos compañeros hasta que otro chico le defiende, Christian, que acaba de trasladarse a Dinamarca desde Londres con su padre, Claus. La madre de Christian ha fallecido recientemente de cáncer.
Elías y Christian no tardan en estar muy unidos, pero cuando Christian involucra a Elias en un peligroso acto de revancha que puede acarrear consecuencias trágicas, además de poner a prueba la amistad que los une, también pone en peligro varias vidas. Finalmente, sus padres deberán ayudarles a entender la complejidad de las emociones, del dolor y de la empatía.

Ficha técnica

+Título original: Hævnen / In a better world

+ Dirección: Susanne Bier

+ Guión: Anders Thomas Jensen

+ País: Dinamarca, Suecia

+ Año: 2010

+ Duración: 110 minutos

+ Género: Drama. África. Adolescencia.

+ Interpretación: Mikael Persbrandt (Anton), Trine Dyrholm (Marianne), Ulrich Thomsen (Claus), William Jøhnk Nielsen (Christian), Markus Rygaard (Elias), Bodil Jørgensen (rectora del colegio) , Toke Lars Bjarke (hermano pequeño de Elías), Camilla Gottlieb (muerta), Simon Maagaard Holm (Sofus), Elsebeth Steentoft (madre de Claus), Kim Bodnia (padre violento), Odiege Matthew (Big Man).

+ Producción: Sisse Graum Jørgensen

+ Producción ejecutiva: Peter Aalbaek Jensen

+ Fotografía: Morten Soborg, DFF

+ Montaje: Pernille Bech Christensen y Morten Egholm

+ Diseño de producción: Peter Grant

+ Arte: Lene Ejlersen y Mathias Holmgreen

+ Música original: Johan Soderqvist

+ Vestuario: Manon Rasmussen

+ Maquillaje y peluquería: Charlotte Laustsen, Daniel Parker

+ Casting: Lene Seested

+ Productoras: Coproducción Dinamarca-Suecia; Instituto del cine danés y sueco, Film i Väst, Memfis Film, Zentropa Entertainments16, etc.

+ Sonido: Eddie Simonsen, Anne Jensen, Allan Holmberg y Lars Rasmussen

+ Efectos especiales: Christian Kitter, Hummer Høimark, Søren Skov Haraldsted

+ Distribuidora: Golem

+ Web oficial: http://golem.es/enunmundomejor/ y http://www.sonyclassics.com/inabetterworld/

+ Premios: Óscar y Globo de Oro Mejor Película Extranjera 2011, Premio Mejor Director en los Premios del Cine Europeo, Premio Mejor Dirección y Mejor Guión en el Festival de Cine de Sevilla, etc.

Tokio Blues (Norweggian Wood)

2012-02-03T14:15:00.019Z

Cuando una novela te parece extraordinaria es lógico que las expectativas ante su adaptación cinematográfica sean muchas. O incluso puede que hasta te moleste que la adapten. ¡Quite sus sucias manos de mi libro!', que se diría.

Pero en el caso de Tokio Blues había directamente que bajar el listón porque, si lo piensas, no debe ser fácil trasladar a imágenes una novela cuya principal virtud reside en su poética descriptiva, en sus silencios, en una atmósfera plagada de lirismo que, por mucha buena intención que se le ponga, la hacen prácticamente inadaptable.

Por tanto, lo primero que se me ocurre es que si has degustado la novela, la película te parecerá hueca, pero si no has tenido la oportunidad de hacerlo, entonces es mejor que veas primero la película y después la leas. Sólo así podrás disfrutar de toda la belleza que contiene la cinta.

Porque no es ni más ni menos que un sentido drama con sabor a miso, un romance a la japonesa con sus consabidos pormenores: tempo lento, escenas pausadas, emociones contenidas, muy en la línea de las cintas más aclamadas de Wong Kar-Wai o Kim Ki-duk. Y aunque parte de la brutalidad corrosiva de un suicidio, la cinta consigue arrancar el discurso con una fuerza boreal.

Tras meses separados desde la tragedia, Watanabe y Naoko han vuelto a encontrarse, y como si se tratara de aquellos Extraños En El Paraíso (Stranger than Paradise, 84’) de Jim Jarmusch, cada domingo comienzan a vagar cual almas a la deriva intentando llegar al pozo del olvido. Y a veces lo observan de frente, pero otras deciden colarse hoyo abajo.

Y es justo desde ese agujero emocional desde el que comienzan a destilarse las verdaderas cuestiones que aborda la película. La adolescencia, el despertar sexual, la locura, la falta o búsqueda de sentido, la incapacidad post-traumática de amar…, pero sobre todo, la difícil y por tanto perdonable para el director, tarea de expresar en imágenes esa tristeza en voz baja, intrínseca, a la pérdida de la inocencia. A esa transición que va, de ver burbujas de colores por todas partes, a de repente el aplastante mundo adulto de ahí fuera, con el profundo desencanto que esto provoca. Una etapa por la que todos tenemos que pasar más tarde o más temprano en la vida y que, si bien es universal y podría embaucar a cualquier ser-espectador sobre la faz de la tierra, aquí acaba perdiéndose en su languidez emocional y pierde todo su poder empático.

Porque, aunque asumamos que hay un tremendo abismo entre Occidente y Oriente en cuanto a interacciones sociales, expresividad o efusividad – ¡sí, aceptamos silencio como emoción desbordada!-, aún existe en la película un molesto muro completamente aséptico que impide esa cercanía con los personajes que, sin embargo, Murakami sí conseguía en el libro. Y con qué fuerza. No hay más que recordar el pasaje en el que Watanabe y Midori están en el terrado de la casa de ésta. Una escena que en la novela es absolutamente exquisita, pero que desgraciadamente aquí su magia acaba quedando soterrada, convirtiéndola en una secuencia más a merced de la cronología del relato.

Es por esto que, a pesar de tener en su haber películas como El olor de la papaya verde (Mùi du du xanh, 93’) o Pleno verano (Mua he chieu thang dung, 00’), Tran Anh Hung no logra dotar de toda su grandeza a Tokio Blues.

Porque del mismo modo que no se necesitaban dos horas de metraje para escudriñar la novela, sí que era necesario profundizar en otros aspectos quizás inútiles en cuanto a lo episódico, pero imprescindibles para enlazar con la sugerente sensualidad con la que te encandilaba la novela; equivocaciones varias como el hecho de obviar a personajes secundarios completamente indispensables, o por supuesto, la falta de profundidad en el personaje protagonista, Watanabe, al que se le despoja de las mil y una capas que componen su naturaleza: su vida en la residencia, la universidad, su eterna dualidad amor-sexo Naoko-Midori o, desde luego, la vital influencia de la música tanto en la vida de Watanabe como en la novela en general. Ni qué decir tiene que su título se debe a esa canción de The Beatles.

Y como esto, toda la novela está plagada de referencias literarias, teatrales y musicales a Thomas Mann, Eurípides o Marvin Gaye, entre otros muchos, con las que se podría componer una banda sonora perfecta, pero que aquí, a pesar de tener algún que otro temazo y estar compuesta por Johny Greenwood, guitarrista de Radiohead, deja bastante que desear y, hasta en ocasiones, resulta forzadamente melodramática.

Eso sí, no se le pueden negar a la cinta algunos que otros aciertos. Uno de ellos, el saber perfilar esa ternura adolescente, ese amor romántico, sin condiciones ni ego, que todo lo puede, que de tan idealizado acaba convirtiéndote en un amante mártir, sacrificado y doliente, y en el caso de Watanabe además, en el eterno contrincante de un fantasma en la sombra.

Otro de los logros, por supuesto, el poner la fotografía a las órdenes de Lee Ping Bin, el cual nos brinda unas imágenes apabullantes, bellísimas estampas del Japón de los 60 en medio de revueltas callejeras y bucólicos paseos nevados.

Y por último, la gran interpretación de Rinko Kikuchi -a la que recordamos por Mapa de los sonidos de Tokio, de Isabel Coixet o sobre todo por Babel, de González Iñárritu-, en la piel de la frágil Naoko, que no sólo consigue trasladar gradualmente al espectador sus estados catárticos, sino que sabe cómo dilatar la tristeza y la desperación y mostrárnosla en mil y un matices sutilmente distintos.

Es una pena que el director tuviera tan buena voluntad, cuando confesaba “la novela original contiene una amplia variedad de temas los cuales piden una adaptación al cine. Creo que mi instinto para realizar la adaptación servirá para que se cree más reconocimiento hacia lo maravillosa que es esta novela”.

Así pues, por cruel que pueda parecer, creo que una adaptación tan arriesgada y puede que pretenciosa como esta, cayó en las manos equivocadas. Porque, y tal vez me equivoque, si juntáramos la lírica visual del Lars Von Trier más catódico con la seda argumental de un Kim Ki Duk, una Naomi Kawase o un Kore-eda (acordáos de aquella maravilla llamada Nadie Sabe), puede que hubiéramos dado con esa obra maestra que perpetró Murakami.

De este modo, lo único que podemos hacer es dar gracias de que hoy en día la literatura y el cine marquen sus diferencias, sepan encontrar los canales sensoriales por los que una buena historia se filtra, y alguna que otra vez, sepa hacerlo en ambos formatos, perfectos en sus disparidades pero rara vez compatibles.

"a nadie le gusta la soledad...
es sólo que no intento hacer amigos a cualquier precio.
no estoy dispuesto a desilusionarme"

Ficha técnica

+Título original: Noruwei no mori (Norwegian Wood)

+ Dirección: TRAN Anh Hung
+ Guión: Tran Anh Hung (basado en la novela de Haruki Murakami)
+ País: Japón
+ Año: 2010
+ Duración: 133 minutos

+ Género: Drama romático. Adolescencia. Años 60.
+ Interpretación: Ken’ichi Matsuyama (Watanabe), Rinko Kikuchi (Naoko), Kiko Mizuhara (Midori), Kengo Kôra (Kizuki), Reika Kirishima (Reiko Ishida), Tetsuji Tamayama (Nagasawa), Eriko Hatsune (Hatsumi), Shigesato Itoi (profesor teatro) y Takao Handa (padre de Midori).
+ Producción: Shinji Ogawa, Keizo Shukuzaki, Satoshi Fukushima.

+ Producción ejecutiva: Masao Teshima y Chihiro Kameyama

+ Fotografía: Mark LEE Ping Bin

+ Montaje: Mario Battistel
+ Diseño de producción: Norifumi Ataka y Tran Un Yên-Khê

+ Arte: Gen Ito, Kenji Iwai, Hironori Iwamoto, Naoko Takemura, Miyuki Tanaka

+ Música original: Jonny Greenwood (guitarrista de Radiohead)

+ Departamento musical: John Barrett, Robert Ziegler

+ Diseño de vestuario: Tran Un Yên-Khê
+ Maquillaje y peluquería: Satoko Takakuwa, Fumi Takeshita

+ Casting: Tsuyoshi Sugino

+ Asistente 1º y 2º dirección: Shozo Katashima, Yu Koreyasu e Hideaki Jimbo

+ Productoras: Toho Company, Fuji Television Network, Asmik Ace Entertainment.

+ Sonido: Tomoharu Urata y Philippe Amouroux

+ Efectos especiales: Hidekazu Kishiura, Chuji Shimajiri

+ Distribuidora: Vertigo Films

+ Web oficial: http://tokioblues.es/

+ Premios: Premio Fipresci en el Festival de Cine de Estambul 2011; Premio a la Mejor Fotografía de los Asian Film 2011; Nominada al León de Oro a Mejor Película en el Festival de Venecia.

Sinopsis

Cuando Toru Watanabe (Kenichi Matsuyama) escucha casualmente el Norwegian Blues de Los Beatles, la melancolía y la nostalgia le hacen retroceder a su pasado como estudiante en el Tokyo de finales de los 60. Toru recuerda a la inestable y misteriosa Naoko (Rinko Kikuchi), la novia de su mejor amigo de la adolescencia, y el suicidio de éste, suceso que le distanció de Naoko durante un año hasta que se reencuentran en la universidad. Allí inician entonces una relación íntima que, sin embargo, se resiente por la frágil salud mental de Naoko a la que internan en un centro. Al poco tiempo, Toru se enamora de Midori (Kiko Mizuhara), una joven activa y resuelta. Indeciso, sumido en dudas y temores, experimenta entonces el deslumbramiento y el desengaño allá donde todo parece cobrar sentido: el sexo, el amor y la muerte.

Antónia Font. Teatro Lara 24/05/11

2011-05-26T20:40:00.005+01:00

Se nota que los 5 magníficos - Joan Miquel Oliver, Pau Debon, Pere Manel Debon, Jaume Manresa y Joan Roca- han estado descansando después de la larga gira del 'Coser i Cantar' (Discmedi Blau, 08'). Tanto para bien como para mal. Porque, aunque les costó enderezar el sonido unas cinco canciones, cuando arrancó profundo y desdolido el "homenaje" a 'Clint Eastwood' sabíamos que el concierto sería memorable, como siempre.

A partir de ese momento, los mallorquines más famosos del indie patrio - aunque detestan ser clasificados - recuperaban su siempre atmósfera atemporal y colorista. Estaban presentando 'Lamparetes' (11'), su primer disco editado por su propio sello, Robot Innocent, y decidieron hacerle una batida completa, y además en orden. Y aunque se escapó el 'Minutos musicales' del final, cumplieron con temas como 'Me Sobren Paraules', 'Carreteras Que No Van Enlloc' o 'Es Far de Ses Salines'. Si bien brillaron con luz propia algunos de los grandes temas del disco, como el hit 'Calgary 88', no fue hasta la evocadora plenitud de 'Icebergs i Gèisers' cuando se sintieron las fibras en el teatro, con aquello del "Som davant ses portes de l'infern, m'és igual la mar infinita navegant a dins sa fosca, som a ses portes de l'infern per tu i tenc plans de futur" .

Y con ese mismo plan, como si se tratara de una obra teatral, marcaron el 2º acto diciendo: "Y ahora vamos a recordar algunos hits del pasado". Y estaba claro que eso era precisamente lo que la platea estaba pidiendo a gritos. Por allí se dieron cita éxitos de todos sus discos, abriendo con 'Bamboo', 'Tokio m'es igual', 'Love song' o 'Mecanismes' del 'Batiscafo Katiuscas', (Discmedi Blau, 06'), así como temas del disco que les dio a conocer en toda la península, 'Taxi' (Discmedi Blau, 04'). Sonaron 'Portavions', 'Robot', 'Holidays' o una versión fresca del 'Armando rampas'.

Y aún disfrutando de ese recorrido por 'A Russia' o 'Darrera una revista', indudablemente fue el momentazo de la noche aquel en el que rescataron del olvido perlas sonoras como 'Alegria' y sobre todo, 'Dins Aquest Iglú'. Gracias. No podíamos pedir más.

Y del mismo modo que nosotros respirábamos satisfechos, la banda agradeció a La Bien Querida haberle prestado sus instrumentos, pues ya se sabe, la mala gestión de las compañías de vuelo hace que a veces tus maletas acaben en la otra punta del globo.

Y subidos en ese globo armonioso en el que se funde la alegría y el sentimiento, dejamos el Teatro Lara tras bailar entregados el 'Wa Yeah!' y por partida doble el 'Calgary 88'. Es cierto que no sonó el hipnótico 'Batiscafo Katiuscas', pero qué importa, habíamos visto un gran concierto de unos tipos maduros que, como nosotros, aún sentimos las cosas con el mismo amor, la misma calidez y las mismas ganas de afrontar la vida ganando las olimpiadas de invierno en Canadá, a golpe de Modern Talking: 'Atlantis is calling: S.O.S for love".

http://www.muuma.com/texto.php?id_texto=2247

Antónia Font regresan con 'Lamparetes'

2011-05-13T20:19:00.003+01:00

Para la comunidad expatriada catalano-parlante y seguidores siempre es todo un acontecimiento cualquier cosa que tenga que ver con Joan Miquel Oliver y su banda Antònia Font. Si encima en los últimos cinco años la banda no ha editado nada nuevo, salvo el recopilatorio sinfónico de ‘Coser i Cantar’ (Discmedi Blau, 08’), esto se acusa aún más.

Y aunque a veces las largas esperas no son bien compensadas, en este caso sí ha merecido la pena. ‘Lamparetes’ (Discmedi Blau, 11’) es la evolución clara de Antónia Font. Publicado por su propio sello, Robot Innocent, el disco avanza hacia melodías tal vez más profusas en matices pero más claras en mensaje; menos electrónicas que lo que supuso aquel ‘Batiscafo Katiuscas’ (Discmedi Blau, 06’); más pop del de toda la ida pero con el mismo efectismo de siempre, creando esos universos sonoroso tan atemporales, tan cinematográficos: el surreal simbolismo de los mallorquines como nave nodriza dirigiendo la misión.

Y ellos, los 5 magníficos (Joan Miquel Oliver, Pau Debon, Pere Manel Debon, Jaume Manresa y Joan Roca), listos para aterrizar, y con un propósito claro: ser más entendido. 'Me he esforzado un poco por explicar las cosas bien porque creo que a la gente también le gusta entender sobre qué cantamos', explica Joan Miquel Oliver, compositor del grupo.

Así pues, los inclasificables Antónia Font se lanzan sobre el asfalto. En la maleta y en forma de canciones, hay cabida para bombas atómicas, parabrisas, fenómenos atmosféricos, un piano, siluetas de dunas en tránsito… El siempre brainstorming de palabras aparentemente sin sentido alguno pero que en Antónia Font no son simple verborrea sino su cosmos esencial y particular, ahora aderezado por un pop igual de colorista que siempre pero mucho más luminoso. Quizás algo menos hipnótico que el anterior álbum pero resuelto y dispar, a juzgar por los extremos melódicos que representan, por ejemplo, lo etéreo de ”Icebergs i guéisers” con el hit bailongo de disco, ‘Calgary 88’. Además de esa especie de fado-pop balear de “Illes balears”. Un homenaje a sus queridas islas ensalzado además por la portada del disco, donde se aprecia el edificio de GESA, emblema de la ciudad de Palma de Mallorca.

Así pues, los mallorquines salen de su fuero y comienzan a deslizarse por carreteras que, al contrario que una de sus canciones, sí van a alguna parte. Si quieres exprimir alguna de sus paradas por la península al son de “Ballam aquesta melodía moderna, a una pista de gel de Calgary 88, ja zona sa canço per megafonía, Atlantis is calling (S.O.S for love)!!!” echa un ojo a la gira. Puede que pasen a verte.

24 de mayo – Teatro Lara (Madrid)

4 de junio – Sala Silenci (Manresa, Barcelona) + Supersubmarina

8 de junio – Festival Cruïlla. Parc del Fórum (Barcelona)

9 de julio – Festival PopArb – recinto de Can Cassó (Arbúcies, Girona)

14 de julio – Festival Internacional de Benicàssim (Benicàssim, Castellón)

http://www.muuma.com/texto.php?id_texto=2241

GRUPO DE EXPERTOS SOLYNIEVE en la sala Moby Dick

2011-03-19T12:03:00.002Z

Que dos de los componentes de la banda lo sean asimismo de Los Planetas no se puede pasar por alto. La distorsión sonora, la inconfundible voz nasal de Jota o los detalles del bajo de Miguel en canciones como Par de flamenquines (Billy total), están presentes.

Por eso aquí la novedad, ese toque fresco, palmero, de tapas y cañas pero de las de Graná, se lo debemos a la aportación a la guitarra de Victor Lapido (091, Lagartija Nick), a la batería de Antonio Lomas o a Manuel Terrón, compositor de algunas de las mejores canciones de Los Planetas, como La Playa o Corrientes circulares en el tiempo.

Todos ellos dan forma a esa rumbera socarronería de las letras, de picarescas maneras, de la ironía mojada en sangría, de la poética en la olivilla que sobra, del sol sureño del al-Ándalus, de los guiños a Vainica Doble y su inmejorable versión de Déjame vivir con alegría.

Una serie de buenas razones por las que estos tipos están donde están con tan sólo un álbum de estudio, Alegato Meridional (Ejército Rojo/ PIAS), y un par de singles/EPs como La Cultural Solynieve interpreta el bonito folklore de Montero Castillo y Aguirre Suárez y otros extraordinarios artistas o Antiguo y nuevo. Tremendo ep en el que se incluyen sus cuatro mejores temas: el claro modus operandi del pagafantas en No vuelvo a quedar contigo, el autoengaño de Viento del nogal – versión de Hickory Wind- o el burlesco juego de palabras de La Reina de Inglaterra. Un concepto, como ellos dicen, que a mí tampoco me cabe en la cabeza.

Aunque sí en el pecho las ganas de ver a estos cinco sureños, venidos a hacer de su dicharacheo sonoro el verdadero leitmotiv de su existencia.

La oportunidad se brinda en la sala Moby Dick el próximo miércoles 23 de marzo a partir de las 21h. Evohé! Evohé!

Rosenvinge nos susurra su "Joven Dolores" - Joy Eslava 4 marzo 2011

2011-03-09T17:43:00.014Z

Si de lo que se trataba era de dejar que respiraran en directo las piezas de ese cuasi perfecto puzzle que es ‘La joven Dolores’ (Warner, 08'), tengo que admitir que algunas criaron bránqueas y despegaron. Pero lamentablemente otras expiraban según comenzaban a sonar, mucho más pobres en matices y no haciendo justicia a su riqueza en el álbum.

Con el aforo casi completo, Jorge y Yo abrió una velada que empezó a ganar consistencia tras Tu Sombra, Eva Enamorada o Nuestra Casa, cuando sonido subió la voz de Christina en la canalla La Noche Del Incendio.

A partir de ahí todo ganó en colorido, Christina y su banda comenzaron a sentirse más cómodos y los asistentes más dispuestos a los elogios, piropos y pasiones hacia nuestra diva y sus cómplices compañeros, el gran Charlie Bautista a la guitarra o Aurora de Boat Beam a las cuerdas sustituyendo a la Georgia Hubley de Yo la tengo.

Mientras repasaban una a una las canciones del nuevo álbum, se escaparon por suerte algunas glorias viejas como Nickel Song de ‘Continental 62’, la cara B A contrapelo, así como diamantes de ‘Tu labio superior’ (Warner, 08') como, claro está, la vitoreada La Distancia Adecuada, la ironía de Negro Cinturón, la grande y cruda Anoche (el puñal y la memoria), o el desgarrador y sintomático paisaje del desvanecimiento del amor, Nadie Como Tú. Momento en que la sala quedó suspendida en un aura quebrado y doloroso, con lo que para rebajar la carga dramática la banda contratacó con el más pragmático y sensato manifesto de Weekend, donde adoramos eso de “Con el verdadero amor se hacen casas de ladrillo, pero con esto que hay entre tú y yo sólo salen estribillos”.

Tal vez echamos en falta el susurro exultante de Benjamin Biolay en La Idiota En Mi Mayor o alguna nota demoledora de aquel ‘Verano Fatal’ con el señor Vegas. Tal vez un toque menos académico, más canalla. Pero cuando empiezan a sonar los acordes de La Canción Del Eco a modo de cierre esas añoranzas pasan a ser un “ok, nos rendimos”. Sucumbimos.

Primero porque parece que la madurez o las lecturas que vamos haciendo de la vida llevaran de manera inexplicable el mismo ritmo y recorrido que las de ella. En Christina lo naïf es natural, no hay pose ni pretensión. A ella nos la creemos. Porque no sólo se ha convertido en la abanderada silenciosa de las mujeres, como guerrillera sutil que dignifica nuestro lugar en este aún sólido patriarcado, sino porque además cuando la vemos, nos acordamos de ese amante pícaro, ensoñador y tremendamente irresistible que ha vuelto “para darnos un beso en la frente y volver a desaparecer”. Así que a pesar de cierto deshinche, salimos satisfechos.

http://www.muuma.com/texto.php?id_texto=2212

Rosenvinge o la posibilidad en lo echado a ganar

2011-02-28T18:52:00.002Z

Cuanto menos expectación era lo que había el día en que Rosenvinge regresó a la península tras su periplo o trilogía musical americana.

Tu labio superior (Warner, 08’) demostró que nuestra artista más naïf, delicada e intimista se había traído bajo el brazo grandes enseñanzas personales. Todo un anecdotario vivencial de verdades rotundas, tan crudas como dulces. Una vuelta a los circuitos patrios por la puerta grande.

Cabía esperar un hito puntual en su discografía o bien La Joven Dolores (Warner, 11’), la continuación por esa senda catódica, suave pero irónica, cínica pero sentimental que es su mayor seña de identidad.

Así que a modo de vol. II Christina regresa al panorama con el riesgo además de afrontar una docena de canciones cuyo factor común es la mujer. El alegato de 12 damas de la mitología clásica que con Christina recuperan la voz y el voto. Mujeres generalmente pasivas, sumisas, sin nombre, condenadas al más absoluto de los silencios, condenadas a amar a un imposible o a la resignación - no victimista, eso sí- de ser violentadas.

Sí, quizás podría ser pretencioso dar voz a Eco, la ninfa enamorada de Narciso, o a la mujer convertida en estatua de sal mientras huía de Sodoma, pero el resultado no es ni más ni menos que 12 manifestos femeninos que exigen su lugar en el mundo. La posibilidad de protagonizar su propia vida, reescribir su historia y, por tanto, redimirse.

Y será de la mano de colaboradores como Benjamin Biolay (“el francés” de La idiota en Mi Mayor), Charlie Bautista – Russian Red- Steve Shelley – Sonic Youth- o Georgia Hubley -Yo la tengo - en la fastuosa Canción del eco con quien Christina se eche a la carretera.

El resultado de este dulce, maduro y soterrado poemario que huele a Gainsbourg, a Cohen, a ella misma, y que extrae su nombre de una antigua barca que unía Ibiza y Formentera, podremos verlo este viernes 4 de marzo en la sala Joy Eslava a partir de las 21h. Ganas es poco.

http://www.muuma.com/texto.php?id_texto=2210

AEPGA a vista de pajaro. Panorámica de una misión vital

2011-01-24T09:56:00.035Z

Han pasado ya unos días desde que dejé Trás-Os-Montes y aún conservo en la retina todo el colorido aroma que envuelve a estas tierras. Su espíritu. Unos días en los que he tenido la oportunidad de conocer la realidad que sustentan estos parajes naturales.

AEPGA, Palombar y Associartecine, tres asociaciones que trabajan conjuntamente en la conservación y preservación de los valores naturales y culturales transmontanos. En la lucha por la perpetuación de la biodiversidad. En el afán y dedicación por amparar, por un lado, a la raza asnal autóctona del burro Mirandés, y por otro, la existencia de los palomares, su recuperación y revitalización como vía de supervivencia de aves rapaces como el águila perdicera, la lechuza de los campanarios y el halcón peregrino, entre otras.

Y es que no sólo son las ganas, sino todo un compendio de energías y fuerzas combinadas el que hace posible esta labor tan bella como valiente, dados los tiempos que corren en los que tanto los palomares como la especie asnal en general están en peligro de extinción, sobre todo si hablamos de Europa.

Para ello, sólo un grupo talentoso y bien preparado de biólogos, antropólogos, veterinarios, herradores o fotógrafos podía hacer frente a tan ardua tarea. Ellos son los que me han abierto las puertas a su particular mundo, a su corazón y a su realidad cotidiana. Y es gracias a ellos que hoy recupero cierta fe en la sostenibilidad del planeta. En el sinfín de posibilidades y concepciones dispares de cómo el mundo puede y debe ser conducido.

Basta con acercarse a una de estas aldeas y observar, absorber y participar de alguna de las labores diarias de la asociación para aspirar la fuerza de voluntad, la pasión y el ahínco con que estas personas luchan en pro de un objetivo común. Que no es otro que afirmar que “el Mundo Rural existe”, y que con el apoyo y el saber hacer de todos quizás algún día podamos, no sólo extraer del olvido costumbres ancestrales que conforman nuestra herencia cultural, sino también devolverle a la Madre Tierra lo que un día nos entregó.

Así pues, en un entorno calmo y sereno, privado de necesidades vacuas y pleno de libertad, he tenido la suerte de avivar viejas reminiscencias de mi infancia, cuando aún tenía la posibilidad de acercarme, tocar y sentir el lomo de un burro.

La experiencia no ha sido sólo gratificante, sino que ha revitalizado el concepto original que tenía del burro como especie, de su naturaleza y de su simbiosis e idiosincrasia con otras especies.

Y es que cada día es una novedad en estos lares. Porque más allá de la alimentación diaria con paja de avena y cebada que con tanta expectación reciben los burros nada más vernos aparecer por los establos, hay que estar al tanto de sus dosis, de cuánta cantidad ingiere cada uno, cuáles necesitan un extra, cuáles precisan ayuda para ponerse en pie – los más viejitos tienden a tumbarse debido a atrofias u otros problemas-, cuáles serán elegidos para la crianza, cuáles necesitan tratamientos antibióticos específicos, vacunas, curaciones, o si se da el caso, que se les practique la eutanasia.

Porque mientras me convertía en la sombra de Sara, una de las veterinarias de la asociación, he podido conocer los tres diferentes centros en los que trabaja AEPGA: Atenor, Pena BrancaDuas Igrejas. Este último destinado a, como ellos lo llaman, residencia de la tercera edad, donde son acogidos los burros de edades avanzadas y donde, además de dignificar el último tramo de sus vidas, se determina cuándo pasan a ser un “pet to sleep”, es decir, dispuesto para ser eutanasiado. Y esta es sólo una de las duras tareas con las que la asociación tiene que lidiar.

LA MÁXIMA: Dejar de ver al burro como animal de carga y apoyo a los trabajos agrícolas, como especie subyugada a los intereses y necesidades humanas, para pasar a observarlo como se merece, como animal en sí mismo, con toda su riqueza para con su especie y las que le rodean, su herencia histórica, y los usos más bellos y respetuosos que del burro se hacen en la actualidad. Por tanto, no más subordinación al humano, no más sometimiento.

Porque, ¿acaso qué sitúa a nuestra especie en posición superior a la suya? Un ser humano (organismo bio-psico-social) se caracteriza por la capacidad de expresarse por medio de un lenguaje. Por la existencia de conciencia. Por el conocimiento de sí mismo y de su entorno. Por el conocimiento de sus estados emocionales. Por la tendencia a la autorrealización. Por la capacidad de elección. Y por la creatividad y desarrollo en una sociedad, considerando que funciona como una totalidad.

¿Son de verdad estas características, muchas de ellas comunes a la especie asnal, las que nos sitúan en escala superior? ¿De veras tenemos derecho sobre otra especie? ¿Podemos hacer de ella un pañuelo de “usar y tirar”? Porque del mismo modo que el hombre dependía imperiosamente del burro para desarrollar su trabajo antes de la revolución industrial, el hombre decidió “prescindir” de él cuando los ciclos productivos como resultado de la globalización se han generalizado. Ahora se tira de transgénicos, de naves masificadas de animales cuyas condiciones infrahumanas les facilitan a los empresarios la máxima producción en el menor tiempo posible. La explotación absoluta de los recursos en pos de unirse a la rueda obsesiva del crecimiento. Ya se sabe, producción --> ciclo económico activo --> precios bajos --> mayor consumo --> mayor producción y vuelta a empezar.

Así, las pequeñas granjas, a pesar de la suprema calidad que ofrecen, no pueden competir con los precios de los grandes supermercados, por lo que los ingresos derivados de la venta de carne y ganado en general han disminuido, afectando directamente sobre la sustentabilidad general y particular, en este caso, de la especie asnal.

Esta gran rueda imparable ha dado como resultado que en el mundo hoy en día la velocidad a la que perdemos especies y ecosistemas sea 10 veces más alta que el ritmo histórico de extinción. Y en el caso de los asnos, a que tan sólo existan 44 millones de burros en el mundo. La pérdida más significativa ha tenido lugar en la Europa Occidental, donde se ha pasado de dos millones a medio millón de cabezas en tan sólo tres décadas.

Es por tanto necesario aunar energías para seguir concienciando a la población sobre la importancia de la preservación de la biodiversidad, la conservación de las especies y su patrimonio cultural.

Y para conseguir más apoyos en esta lucha es necesario que la especie se establezca como raza. En Tras-Os-Montes nos cuentan que comenzó habiendo unos 2.700 burros mirandeses, y aunque ha habido muchos decesos, también ha habido más crianza. Y sobre todo, mayor concienciación acerca de su existencia y la necesidad de su perdurabilidad.

Es por esto que, de ser extinguidos, la inmensa pérdida no sería sólo a nivel medioambiental, sino también social. El burro ha sido considerado desde tiempos inmemoriales el mejor amigo del hombre y hoy día muchas personas mayores encuentran en él la continuación de sus ojos, sus manos y sus piernas. Y es que estos animalillos de carácter dócil y cariñoso, tienen una memoria visual y auditiva increíble. Sara, la veterinaria, nos cuenta que del mismo modo que ella podría reconocerlos uno a uno, pues presentan personalidades muy diversas, ellos también distinguen perfectamente a cada uno que se acerca por su establo. Una anécdota que lo ilustra fue “una vez que tuve que ir a poner una inyección a una burrita, y cuando un año después volví a verla, en cuanto me vio aparecer, salió corriendo como loca”, nos cuenta Sara. "Son realmente inteligentes y perciben todo cuanto está a su alrededor".

¿Cómo podemos diferenciar al burro mirandés si lo tenemos delante?

Son más altos, de 1’20 metros hasta 1’35 metros. El pelaje es de color castaño oscuro con graduaciones más claras, blanquecinas en los costados y en la cara inferior del tronco. Los ojos están rodeados por una mancha blanca. Las patas son gruesas y tienen abundante pelo.

Lo importante, según nos cuenta Sara, es poder establecerlo como raza. Y en este caso tenemos el libro abierto de raza, es decir, “que no se necesita que la madre y padre sean de la raza para que éste esté dentro de ella”.

Por ello, desde AEPGA están desarrollando actualmente una serie de proyectos de investigación cuyo objetivo es la tipificación de la raza del burro mirandés, mediante las consecuentes pruebas de ADN, el implante de microchips y otras medidas de identificación que desde el BPGA – Banco Portugués de Germoplasma Animal- se están llevando a cabo para salvaguardar el patrimonio genético de 46 razas autóctonas nacionales de bovinos, caprinos, ovinos, équidos, porcinos y aves (gallinas).

Asimismo, AEPGA apoya otra serie de estudios en pos de recuperar el patrimonio genético, natural y cultural de la zona, integrando al burro mirandés en los sistemas de pastoreo, ya que éste puede ser muy útil en el control de vegetación arbustiva, y por tanto, en la preservación de los cenagales y la valorización de su ecosistema.

Por otro lado, existen mil y una formas distintas de promover la especie asnal, y AEPGA no escatima a la hora de organizar, por ejemplo, concursos y ferias medievales en las que el burro mirandés es el protagonista absoluto. Son ya famosas en la comarca las ferias de L Burro i l Gueiteiro, la de Burros do Naso, la de Burros do Azinhoso, la fiesta de Pecuária e de Transumância o L Brano de San Martino, donde se organizan los ya populares paseos con burros.

Un montón de actividades y eventos promocionales con los que, además de revitalizar los usos actuales de la especie asnal, uno puede introducirse en la belleza natural de los paisajes trasmontanos, sus costumbres y su cultura.

Buena prueba de ello son las exposiciones fotográficas a cargo del fotógrafo Joâo Pedro Marnoto“Donkey World”, “Faith in Donkeys” o la estupenda “Nine Months of Winter and Three of Hell”. Una bella y profunda panorámica que toma su título de la popular expresión de la región trasmontana que en colaboración con AEPGA se han organizado.

Trás-Os-Montes e nove meses de inverno e três de inferno

Pero volviendo a la funcionalidad del asno no podemos dejar pasar por alto las labores de asnoterapia y asnomediación que AEPGA está promoviendo en niños y jóvenes con discapacidad física y mental. Estas terapias se están revelando actualmente como un remedio eficaz que, a través de ejercicios y juegos, mejoran progresivamente la comunicación verbal de los chavales, reducen su hiperactividad y falta de atención, además de favorecer su desarrollo emocional y su interacción con los animales.

Sara, la veterinaria nos cuenta que “aunque no es una actividad periódica, sí que estamos intentando inculcar en la región la importancia y eficacia de estos métodos alternativos a la medicina tradicional. El problema principal se presenta porque, en un entorno rural como este, además de por la antiguamente denostada imagen del burro, estas alternativas se siguen recibiendo con bastante desconfianza e incredulidad”.

Aún así, la asociación no desiste en su empeño y se propone continuar con esta labor de formación, ya que su efectividad es claramente palpable.

“Recuerdo el caso de una niña que tenía parálisis cerebral. Cuando llegó al centro no tenía apenas movilidad, por lo que dependía completamente de su familia. Tras unas series de sesiones con los burros, la niña comenzó a demostrar con toda claridad una mayor autonomía”, nos cuenta Sara.

Pero para poder ver resultados es necesario que el niño asista como mínimo a una sesión semanal durante 3 o 4 semanas. De no ser así los resultados no son garantizables. Además, para el desarrollo de la sesión se requiere de un terapeuta por cada niño y otro que asista al animal, aunque esto siempre va en función del tipo de discapacidad presentada.

Es por esto que se necesita del esfuerzo voluntario y desinteresado de muchas personas para poder poner en práctica estas labores. Y ahí es donde entran en juego otra serie de virtudes. Bob viene de Angola y no puedo evitar preguntarle qué fue lo que le trajo hasta aquí.

“Conocí la asociación por medio de un amigo de Bragança que siempre me invitaba a venir a pasar unos días, echar un vistazo, pero yo siempre me negaba. Hasta que un día vine, descubrí este mundo y ya no pude marcharme. Esto me cautivó, pero no sólo por el trabajo que podía hacer aquí, sino también por el ambiente, la unión que existe entre la gente, la atmósfera que aquí se respira. Aquí estás tranquilo, tienes mucho que hacer pero se vive en calma. Lo que no quiere decir que no nos escapemos de vez en cuando a la ciudad al teatro, al cine o a un concierto”.

Claro, es necesario un pequeño soplo de aire fresco para regresar con las pilas cargadas y poder hacer frente a la dura tarea como herrador que Bob realiza. Él se encarga de hacer los cascos de los burros para prevenir al animal de posibles lesiones de huesos, cartílagos, articulaciones, ligamentos y tendones.

Es por esto que, pasadas unas horas de estar conviviendo en la asociación, uno tiene la impresión de estar ante una gran familia en la que, a pesar de que cada uno tiene una función específica, participa igualmente del resto de actividades.

“Esto es una cuestión de corazón, dedicación y alma”, nos dice Bob.

Y así lo percibimos. Desde que en 2001 la asociación comenzó sus actividades, no han parado de recibir a voluntarios y curiosos que quieren apoyar de algún modo sus máximas.

La dificultad viene a la hora de mantenerse, puesto que para poder hacer frente al mantenimiento de las actividades de la asociación, han sido muchas las dificultades y el esfuerzo por conseguir subvenciones y apoyo institucional. Muchas solicitudes, proyectos, reuniones, acuerdos. Una lucha diaria.

Actualmente reciben alrededor de unos 170 euros anuales por cada burro mirandés. Además de eso, cuentan con el apoyo de una asociación situada en Devon (Inglaterra), The Donkey Sanctuary que realiza donaciones periódicas para el mantenimiento de la residencia de la tercera edad. A cambio, la asociación inglesa recibe informes mensuales del seguimiento de los burros y todo lo acontecido durante el mes.

Así pues, además de los paseos y visitas guiadas con los burros y la venta de los mismos, existe la llamada campaña de apadrinamiento. Por un módico precio, cualquiera puede contribuir directamente en la manutención y cuidados veterinarios que los animales necesitan. La asociación cuenta con una biblioteca de imágenes e información personal de los burros que pueden ser apadrinados de manera que puedas elegir el que más te guste.

Y del mismo modo que puedes apadrinar un burro, la asociación da la posibilidad de asistir a ciclos de formación, Workshops y talleres, con el objetivo de sensibilizar conciencias y despertar el interés por la preservación de la naturaleza y por la riqueza de las especies.

Vale mais um burro que nos leve que cavalo que nos derrube

De esta suerte, con el esfuerzo de asociaciones como AEPGA, Donkey Sanctuary, El Refugio del Burrito, AFRAC, Amigos del Burro, Mulas sin Fronteras, Aszal o ADEBO, esperemos que no tengamos que enseñar a nuestros hijos lo que es un burro por medio de un libro, sino que ellos tengan la posibilidad de tenerlos de frente, tocarlos, olerlos y sentirlos.

Que su imagen no quede limitada a libros y cuentos como Rebelión en la granja, de George Orwell, donde el burro Benjamin representa a la clase intelectual, o Los músicos de Bremen, donde los hermanos Grimm trazan una historia en la que un burro, un perro, un gato y un gallo escapan a la ciudad de Bremen huyendo de la condena a muerte de sus respectivos dueños.

Porque ya que el hombre ha sido quien ha conducido la evolución del burro, que sea él mismo quien la reconduzca. Es nuestra deuda para con ellos.

Todo u burro come palha, a questâo é saber-lha dar

Y es que de gestionarse estos chicos van sobrados. Después de 10 años de actividades en AEPGA estos “héroes” pueden estar satisfechos de haber conseguido el respeto y la credibilidad de todos. Porque lo que empezó siendo un proyecto ambicioso bajo el manto espiritual de un grupo de ideólogos naturales, ahora descansa sobre la tierra trasmontana como una absoluta realidad. Mucha fuerza de voluntad, esfuerzo diario y pasión se han batido a la hora de hacerse cargo de esta misión vital.

Porque de eso se trata, retirarse del mundanal ruido para mirar a la vida de frente, para recuperar nuestra identidad, para sentir tan de cerca la noción de la vida y la muerte que nos arraigue de nuevo al magma original de la tierra, a lo verdaderamente real. Para afirmarnos a nosotros mismos en la certeza de saber que hemos venido a esta tierra no sólo con una misión, sino también con una responsabilidad para con nuestra Madre, que todo nos lo ha dado y ahora merece recompensa.

Se dice que el burro puede rebuznar de manera que se le puede llegar a oír a 3 kilómetros. Así que, desde aquí, rebuzno y animo a todo el mundo a acercarse a conocerlos, asociarse, apadrinar un burrito y participar de todas o alguna de las estupendas actividades que AEPGA lleva a cabo. El 9 de mayo de 2011 cumplen 10 años. Desde aquí, mi más sincera enhorabuena y mi agradecimiento a Joana, Miguel, Sara, Joâo, Bob, Bruno y todos y cada uno de las almas que me han acompañado estos días.

Y con la música de Galandum Galandaina, uno de los magníficos grupos de música mirandesa que he conocido estos días, me voy alejando de estas tierras de gozo, paz, fe y espíritu.

Às vezes, em sonho triste
Nos meus desejos existe
Longinquamente um país
Onde ser feliz consiste
Apenas em ser feliz.

Vive-se como se nasce
Sem o querer nem saber.
Nessa ilusão de viver
O tempo morre e renasce
Sem que o sintamos correr.

O sentir e o desejar
São banidos dessa terra.
O amor não é amor
Nesse país por onde erra
Meu longínquo divagar.

Nem se sonha nem se vive:
É uma infância sem fim.
Parece que se revive
Tão suave é viver assim
Nesse impossível jardim.

Fernando Pessoa

La cinta blanca

2010-11-22T02:34:00.027Z

Me pregunto si después de ver una película como esta el que te arda el pecho es o no señal de algo. Sin saber cómo, de repente todo huele a chamusquina. Será que, o estoy conmocionada, o me ha marcado, o es que simplemente se trata de la obra maestra proclamada por todos. Porque a veces ocurre. Si la bofetada, la crudeza y el desgarro silencioso con el que algunos cineastas encaran sus discursos no es una tomadura de pelo ni tampoco casual, entonces tampoco es casual ni el ardor ni el aplauso.

Haneke es sin lugar a dudas un gran artesano. Apunta y dispara. Moldea sus pensamientos de manera tan precisa que el recorrido de la bala es exacto. Técnicamente perfecto. Luego siempre aparece algún “pero”, pero La cinta blanca ostenta el Globo de Oro de Cannes 09', entre otros muchos premios, por merecida valía.

Porque viene a ser un profundo alegato contra el sistema educativo y moral de principios del siglo XIX, con la iglesia repartiendo éticas “ostias” consagradas: su poder inquisitivo, su puritanismo hipócrita, su doble moral –amo a dios pero abuso de quien me parece-, sus conceptos de la pureza, el pecado, el castigo, la culpa, el perdón, la piedad y la salvación o la muerte.

Todos ellos ilustrados en la figura del perfecto pastor de la iglesia, absorto en expandir su doctrina educativa del temor, con mano dura. Con la cinta blanca.

Y es que la película encara esa educación represiva en la que si a un niño, en esa edad repleta de inquietudes y preguntas sin respuesta, sólo le muestras la cara amarga de la vida, puede pasarle que, además de no desarrollarse libremente como persona, quizás desencadene una ristra de violencia como respuesta a su desentendimiento de la realidad. Porque esa crudeza educacional sin bálsamo, sólo puede enterrarles el alma.

No hay más que oir a uno de los niños diciendo <Le di una oportunidad a Dios para que me matara. No lo hizo así que está contento conmigo>.

Así, la película explica progresivamente cómo se genera en una comunidad aparentemente estable, la sospecha, la amenaza, la desconfianza, el miedo y su consecuente “necesidad” de violencia como protección personal.

Pero el cómo lo hace es precisamente el mayor logro. Ese acabado técnico tan formal a la hora de utilizar los fuera de campo para mostrar sin mostrar. El poder de la sugerencia ante la necia evidencia de las superproducciones. Porque en ese ambiente lúgubre y represor, en el que es pecado manfiestarse o incluso reírse (sólo lo hará abiertamente el niño disminuído evocándonos el final de la película Cube 97’), asistimos a escenas llenas de lirismo y absoluto dominio verbal, como la que protagonizan Anni y su hermano pequeño hablando acerca de la muerte. U otras más corrosivas que sitúan a los niños en la posición de catalizadores de la nueva savia emergente previa a la Alemania nazi.

Así, sin escrúpulo ni reparo alguno, Haneke imprime su indudable marca haciendo que sus películas nos recuerden precisamente a él mismo. Sin ir más lejos, esa sordidez sexual que nos recuerda a La pianista (01’). O la habilidad para dejar la sospecha pendiendo de un hilo, como si todo estuviera claro y al mismo tiempo no, como hiciera en Caché (05’). O lo que a toda costa manifiesta una y otra vez pero que Funny games (97’) abanderó, la banalización del mal. Ese “fenómeno” de la cotidianeidad que la filósofa del siglo XX Hannah Arendt tanto se esforzó en transmitir. Y es que es ese devenir cotidiano presente en cada barrio el que ha hecho que ayer y hoy se haya trivializado cualquier maldad, asumiéndose como común. Porque ese mirar para otro lado -porque de este me duele- adoptando posturas más cómodas, resta pena al torturador, banaliza el mal y normaliza cualquier situación delictiva.

Y es bajo ese clíma de miedo y maldad asumida, tan bien retratado por Haneke, en donde se han gestado las peores atrocidades de la especie humana. Porque como bien subraya el director, “no es necesario ser malo para convertirse en culpable, simplemente forma parte de la vida cotidiana”. De otro modo no se entiende que el ingenio humano deviniera en la construcción de cámaras de gas y elementos de tortura semejantes.

Aunque para tortura, la siempre densidad argumental de Haneke, subrayada aún más si cabe, por la falta de banda sonora en la película. Algo que convierte a La cinta blanca en una sublime aberración, pues esa desnudez sonora no hace sino intensificar aún más el conflicto, evidenciar las mentiras, la hipocresía moral, los sermones, los castigos, las apariencias, y situar al espectador por momentos en una delgada línea en la que no sabe si se encuentra ante un pueblo asustado y confundido por los trágicos acontecimientos o ante una absoluta comparsa de cadáveres vivientes condenados a vivir eternamente aferrados a su condición miserable.

Por otro lado, no puedo pasar por alto la majestuosa fotografía a cargo de Christian Berger - ya lo hizo en La Pianista- que nos remite a los mundos visuales de Bergman, Tarkovski o Kubrick, aunque narrativamente sugiera al también único y solemne en sus discursos Lars Von Trier. En este caso además por el uso de ese narrador imparcial, que se trata del maestro del colegio y que, como todo buen maestro, se limita a mostrar y enseñar sin edulcorantes.

Asimismo, la mano maestra de Monika Willi (habitual montadora del director) que hace una perfecta selección de las escenas y su orden, de modo que el espléndido montaje final, unido al siempre tremendo tempo narrativo de Haneke, consigue absorberte en su atmósfera contaminada, sin parar de hacerte preguntas y sin darte cuenta de que llevas más de dos horas de metraje. Uf. Pero aquí nada sobra ni falta. Si acaso reclamarle a Haneke una tregua para sus personajes. Porque lo cierto es que es tremendamente hermético con ellos a pesar de dirigirlos muy bien. Véase la estupenda interpretación del pastor (Burghart Klaussner), al que ya vimos en películas como Good Bye, Lenin! (03’) o Los edukadores (05’). Haneke les encierra, les tortura, no les da absoluto respiro ni tampoco la posibilidad de redimirse, lo que subraya aún más su siempre punto de vista oscuro, ágrio y deprimente sobre la condición humana. Su desalme y su corrupción, aunque esta vez reserve un único ventanuco de luz en la joven Eva (Leonie Benesch), baluarte de la inocencia aún no pervertida.

Pero aunque a ellos no les da la posibilidad de la redención, es a nosotros como espectadores a quienes nos reserva la noción de libre albedrío, de desentrañar sus historias a nuestro antojo y acaso amarle u odiarle, dependiendo de qué lectura se amolde mejor a nuestro asiento moral.

El mío, apelar a la tremenda importancia de la enseñanza como base de toda educación social, que en este caso da a luz tanto víctimas como verdugos. Presas como finados. Absolutismo universal. Porque tal vez el retrato se sitúe en Alemania, pero este gérmen de fascismo es perfectamente extrapolable a todo sistema socio-político de sólidos principios egoístas, es decir, a cualquiera sobre la faz de la tierra.

Así que en ese sentido, La Mano Derecha de Dios, que es así como Haneke iba a llamar a la película inicialmente, descansa de un modo tan mezquino, putrefacto, incómodo, desagradable y perverso en fondo y forma, como sincero, directo y volcánico. Tremenda autopsia atea, sr. Haneke.

Puedes verla aquí

SINOPSIS

1913-1914 Extraños acontecimientos, que poco a poco toman carácter de castigo ritual, se dan cita en un pequeño pueblo protestante del norte de Alemania. ¿Quién está detrás de todo esto? Los niños y adolescentes del coro del colegio y de la iglesia dirigido por el maestro, sus familias, el barón, el encargado, el médico, la comadrona, y los granjeros conforman una historia que reflexiona sobre los orígenes del nazismo en vísperas de la I Guerra Mundial.

FICHA TÉCNICA

+ Título original: Das weisse Band – Eine deutsche Kindergeschichte (The White Ribbon)

+ País: Alemania

+ Año: 2009

+ Duración: 145 minutos

+ Género: Drama-intriga

+ Dirección: Michael Haneke

+ Guión: Michael Haneke

+ Interpretación: Christian Friedel (el profesor), Ernst Jacobi (voz del narrador-el profesor de viejo), Leonie Benesch (Eva), Ulrich Tukur (el barón), Ursina Lardi (la baronesa), Fion Mutert (Sigi), Burghart Klaubner (el pastor), Steffi Kühnert (la mujer del pastor), Maria-Victoria Dragus (Klara), Leonard Proxauf (Martin), Levin Henning (Adolf), Rainer Bock (el doctor), Susanne Lothar (la matrona), Roxane Duran (Anna), Miljan Chatelain (Rudolf), Eddy Grahl (Karli), Branko Samarovski (el granjero), Birgit Minichmayr (Frieda), Sebastian Hülk (Max). Johanna Busse (Margarete).

+ Diseño de producción: Christoph Kanter

+ Fotografía: Christian Berger

+ Dirección de arte: Anja Müller

+ Montaje: Monika Willi

+ Sonido: Arnaud Azoulay, Fabienne Chalendard, Vincent Guillon, Jean-Pierre Laforce, Michel Monier.

+ Efectos especiales: Gerd Feuchter, Rolf Hanke, Till Hertrich, Bernd Rautenberg, Marcus Schmidt.

+ Efectos visuales: Geoffrey Kleindorfer y Mario Wessely.

+ Vestuario: Moidele Bickel y Annette Bätz

+ Maquillaje: Anette Keiser, Waldemar Pokromski

+ Casting: Simone Bärr, Carmen Loley y Markus Schleinzer

+ Producción ejecutiva: Michael Katz

+ Producción: Stefan Arndt, Veit Heiduschka, Margaret Ménégoz, Ulli Neumann (producción en línea).

+ Productora: Alemania-Austria-Francia; Les Films du Losange, Wega Film y X- Filme Creative Pool

+ Distribuidora: Golem Distribución.

+ Web oficial: http://dasweisseband.x-verleih.de o http://www.golem.es/lacintablanca

Shiva

2010-11-11T20:01:00.004Z

Videoclip de "Shiva" para la banda The Badje en el que participé como ayudante de dirección. Brighton (Inglaterra). Mayo 2010.

http://www.visualdreamsproduction.co.uk/

Mal día para pescar

2010-11-04T20:20:00.020Z

Hacía tiempo que una película de desconocida procedencia no me removía las entrañas de un modo tan instintivo.

Ante nosotros aparece un tipo de aparentes buenos modos intentando vender, no sin perspicacia, una moto que pasa más por patinete descascarillado que por un verdadero campeón mundial de pesos pesados. Así, en su afán de buscavidas, el empresario Orsini (Gary Piquer) y Jacob Van Oppen (Jouko Ahola) se aventuran en un tour por 27 ciudades sudamericanas cuyo dicha e infortunio comienza y acaba en Santa María, un punto de inflexión en la vida de ambos. La premisa, retar a los lugareños a enfrentarse al campeón por la friolera de mil dólares.

De esta forma, y en estos tiempos donde los shows ambulantes han dejado de tener interés en las plazas de los pueblos, sólo la labia de un buen tramposo puede surtir efecto en las anquilosadas estructuras mentales de los pueblerinos. Y Orsini no sólo sabe cómo “colársela” sino que consigue colocar su retaíla de gloria caduca en la portada del principal diario local. Con la prensa “de su lado”, su suerte ya está echada y el show servido, aunque a su gallinita, en vez de huevos de oro ya sólo le queden flemas.

Así pues, el que fuera director de cortos como Trece kilómetros bajo la lluvia (03’), Sofía (05’) y Segundo aniversario (07’), nos envuelve con una maestría poco común de operas primas en esta pieza de artillería y corazón, de colmillo y cajas de música.

Por un lado el mafioso de tres al cuarto, al que el propio director define como “un tipo que vende sueños y que ha dejado de creer en ellos” y por otro, el animalillo “ingénuo” que se sabe manipulado, que no tiene idea de cómo coger las riendas de su vida y que sigue, sin saber muy bien por qué, creyendo en las promesas de pan y circo que su representante alimenta.

Un retrato de la picaresca convertida en necedad, que nos brinda escenas tan emocionantes como ese cara a cara en la habitación entre luchador y “apoderado”. Un momento en el que en apenas 10 minutos quedan articuladas todas las ramificaciones de la soledad humana, en el que asistimos a la radiografía más exacta de estos dos hombres que llevan años unidos por la lucha libre. La verdad de cada uno, su destierro compartido y su necia relación de intereses, que a lo largo de los años ha ido forjando un cariño añejo, destructivo y putrefacto. Un tandem enfermizo en el que ambos son conscientes de las carencias y sobre todo de los imperecederos defectos del otro, pero que cuyo inerte vínculo les ha llevado hasta el ring de Santa María.

Pero para poder seguir con la pantomima, Orsini tendrá que ir lidiando con la suspicacia del director del periódico, con ese médico audaz que afirma <a mí los pacientes se me mueren en la mesa>, o con la joven mezquina que, movida por su miserable afán de supervivencia, retará al grandullón a batirse con el matón de su novio.

Establecida la artillería, la película se desliza calle abajo por los inevitables estados agónicos de los protagonistas previos al gran combate, que titubean entre la gloria y la retirada. Entre el cinismo acorralado del manager y el bochorno sentimentalista de la bestia, que por momentos nos evoca aquella obra maestra de Fellini que fue La Strada (1954), en la que Anthony Quinn y Giuletta Masina malvivían gracias a su circo ambulante, y de la que se destilaba del mismo modo que en Mal día para pescar, ese canto de cuna decadente. De personajes avocados a sus circunstancias a los que sólo les queda el consuelo de sus inocentes sueños de papel.

En este caso simbolizados a la perfección por los nostálgicas notas de acordeón de Lili Marleen. Mítica canción del 1937 compuesta por Norbert Schultze sobre un poema que escribió un soldado de la II Guerra Mundial y que acabó convirtiéndose en estandarte sonoro de la guerra, ya que podía oírse tanto entre las filas de la División Azul, como en los rituales crematorios de las SS, o incluso a modo de grito misericordioso entre los presos de Auschwitz. Tal fue su aceptación y ambigüedad, comenta la escritora Sala Rose, que hasta Hitler advirtió “esta canción nos sobrevivirá a todos”. Y que tal como Rose dice “es una canción de amor, pero también de muerte, una mezcla de Eros y Tánatos”. Una preciosa y existencialista muestra de los vivos que van a morir y de los muertos que aún están vivos, que en la película Orsini utiliza tocándosela con su caja de música al grandullón para adormecerle, calmarle y retenerle.

Por último, a ese aura sentimental del film se le añade esa comicidad deprimente que abandera gran parte del cine sudamericano de los últimos tiempos, véase Historias mínimas (02’), El nido vacío (08’) o por acercarnos geográficamente un poco más, la también uruguaya Whisky (04’), todo un retrato tan áspero como cómico de la soledad y la miseria humana.

Unas miserias de las que para poder salir a flote, primero hay que tirarlo todo por la borda, o mejor dicho, una soledad por la que para poder llegar a alguna parte primero hay que haber estado en el infierno de ninguna parte. Algo que Álvaro Brecher condensa magistralmente en el film como si de, a lo Rimbaud, una temporada en el infierno se hubiera librado.

Lili Marleen

Frente al cuartel,

delante del portón,

había una farola,

y aún se encuentra allí.

Allí volveremos a encontrarnos,

bajo la farola estaremos.

Como antes, Lili Marleen.

Nuestras dos sombras

parecían una sola.

Nos queríamos tanto

que daba esa impresion.

Y toda la gente lo verá,

cuando estemos bajo la farola.

Como antes, Lili Marleen.

Pronto llama el centinela

"Estan pasando revista

Esto te va a costar tres días"

Camarada, ya voy

Entonces nos decíamos adios

Me habría ido encantado contigo

Contigo, Lili Marleen

Ella conocía tus pasos

tu elegante andar

todas las tardes ardía

aunque ya me había olvidado

Y si me pasara algo

¿Quién se pondría bajo la farola

Contigo?, Lili Marleen

Desde el espacio silencioso

Desde las tierras de la tierra

Me mantienen como en un sueño

tus adorables labios

Cuando la niebla nocturna se arremoline

yo estaré en la farola

Como antes, Lili Marleen

Vor der Kaserne

Vor dem großen Tor

Stand eine Laterne

Und steht sie noch davor

So woll'n wir uns da wieder seh'n

Bei der Laterne wollen wir steh'n

Wie einst Lili Marleen.

Unsere beide Schatten

Sah'n wie einer aus

Daß wir so lieb uns hatten

Das sah man gleich daraus

Und alle Leute soll'n es seh'n

Wenn wir bei der Laterne steh'n

Wie einst Lili Marleen.

Schon rief der Posten,

Sie blasen Zapfenstreich

Das kann drei Tage kosten

Kam'rad, ich komm sogleich

Da sagten wir auf Wiedersehen

Wie gerne wollt ich mit dir geh'n

Mit dir Lili Marleen.

Deine Schritte kennt sie,

Deinen zieren Gang

Alle Abend brennt sie,

Doch mich vergaß sie lang

Und sollte mir ein Leid gescheh'n

Wer wird bei der Laterne stehen

Mit dir Lili Marleen?

Aus dem stillen Raume,

Aus der Erde Grund

Hebt mich wie im Traume

Dein verliebter Mund

Wenn sich die späten Nebel drehn

Werd' ich bei der Laterne steh'n

Wie einst Lili Marleen.

SINOPSIS

Narra la historia de dos peculiares buscavidas: un ex campeón mundial de lucha libre -Jacob van Oppen- que todavía cree ser "el hombre más fuerte sobre la tierra" y su protector, un manager -Orsini- que le organiza exhibiciones y combates arreglados en secreto. Su peculiar viaje en busca de un glorioso pasado en el que Orsini asegura que "el campeón reconquistará su título", llegará a su fin en el momento en que los acontecimientos toman un rumbo inesperado e incontrolable para los protagonistas. Seleccionada por Uruguay como candidata al Oscar 2010 en la categoría de película de habla no inglesa.

+ País: Argentina

+ Año: 2009

+ Duración: 104 minutos

+ Género: Drama

+ Dirección: Álvaro Brechner

+ Guión: Álvaro Brechner, con la colaboración de Gay Piquer, basada en “Jacob y el Otro”, de Juan Carlos Onetti.

+ Interpretación: Gary Piquer (Orsini), Jouko Ahola (Jacob), Antonella Costa (Adriana), Cesar Troncoso (Heber)

+ Fotografía: Álvaro Gutiérrez

+ Director de producción: Virginia Hinze y Pablo Ramírez

+ Productor ejecutivo: Virginia Hinze, Álvaro Brechner y Tomás Cimadevilla

+ Productor asociado: Diego Robino, Beatriz Delgado y Adolfo Blanco

+ Diseño artístico: Gustavo Ramírez

+ Montaje: Teresa Font

+ Música: Mikel Salas

+ Sonido directo: Fabián Oliver

+ Montaje de sonido: Nacho Royo

+ Iluminación: Hitoshi Takaya

+ Productora: Expresso Films (Uruguay), Baobab Films (España), Telespan 2000 (España).

+ Localizaciones: Montevideo, San Carlos, Minas

+ Web oficial: http://www.verticecine.com/maldiaparapescar/

Puedes verla aquí

Departures

2010-10-11T20:15:00.024+01:00

Admito que cuando supe que esta película le había robado la estatuilla del Óscar en 2009 a Vals con Bashir (película que siempre veneraré) mis expectativas para con ella se elevaron a mil. Cómo debía ser para haberla derribado, pensé. Y dado que todo condicionamiento previo conduce a error, y más aún si este viene supeditado al veredicto de un galardón de tamaña trascendencia, inevitablemente me encontré ante una tremenda decepción. Pero una vez que analicé con detenimiento el asunto, me di cuenta del verdadero valor de Departures, de lo que dice y de lo que calla. De lo que aporta a un panorama guionístico tan rico como el de nuestros días.

Y aunque es fácil verle las costuras a la película con a veces artificiosas escenas o trucos de guión conscientes que hacen que se pierda cierta naturalidad narrativa o cierto realismo en el desarrollo de los hechos en el tiempo – todo está perfectamente medido-, hay que reconocer que la película cuenta con un potente motor gramatical.

Porque no sólo se trata de una pintoresca producción acerca de la vida de un violoncelista que decide cortar de cuajo con su supuesta vocación y hacerse enterrador –ahí es nada-, sino de todo lo que rodea a esta decisión. La búsqueda de sentido, la aceptación real del que acaba de llegar a la verdad o la mentira de sí mismo. A descubrir que quizás como dice el propio protagonista “lo que pensé que era mi sueño probablemente en realidad no era mi sueño”.

El chico, sensible, aprensivo e inexperto, es incapaz de aceptar con naturalidad su cambio de circunstancias, precisamente porque éste ha sido decidido por él sin saber muy bien hacia dónde le llevaría, pero por supuesto sin imaginarse que su siguiente etapa vital estaría marcada por la muerte.

Ejercer como enterrador “nokanshi” probablemente nunca hubiera entrado en sus planes, y menos aún en un país como Japón, en el que la muerte es considerada como algo impuro y de ahí que se limpie, perfume y se le de el aspecto más vivo posible al muerto. Una profesión que Daigo recibe con repugnancia y cientos de interrogantes vitales, porque comprender por qué estamos donde estamos y nos pasa lo que nos pasa, nunca fue tarea fácil.

¿Para qué exactamente he sido puesto a prueba?, se pregunta. Y su jefe le responde: Este es tu trabajo, encomendado por Dios.

Entender que estamos aquí para recorrer un camino con mensajes guardados, que debemos leer para saber afrontar las “suculentas” tragedias de la vida, es sólo una de las enseñanzas que Takita ha dejado caer en la película. Porque ésta no sólo se encarga de dignificar el oficio del enterrador, dotándolo de elegancia e impecabilidad, sino que también cuestiona paralelamente temas como es el abandono a un hijo. Eso sí, con la sabiduría de enfrentarse al tema desde un ángulo diferente, mostrando no sólo la dignidad mancillada del que abandona, sino su vergüenza, que les imposibilita todo contacto con ese hijo abandonado por muy fuerte que sea el deseo de verlos crecer. Y cómo todo acaba pasando factura y, claro está, regresando para que aprendamos la lección y veamos las señales.

Aunque para señales las de un compositor como Joe Hisaishi, creador del hermoso repertorio sonoro que envuelve a las películas de Miyazaki – Mi vecino Totoro, La princesa Mononoke o El viaje de Chihiro- y que en Departures deja una pieza espléndida que sabe cómo colarse por los recovecos gramaticales de una película que, a pesar de que para mí le sobran 30 minutos, descansa sobre sólidos y valientes objetivos.

Uno de ellos es el de acercarnos al dramatismo natural que implica enterrar un cadáver –aunque suavizado por las también cómicas escenas de la cinta, que las tiene- mediante el ritual Nokanshi, el equivalente en Occidente a embalsamar a un cuerpo. Un ritual zen en el que se rasura, maquilla y lava al difunto en el ataúd ante la presencia de sus familiares. Una limpieza que simboliza la liberación de este mundo, de la fatiga, del dolor y el deseo y por supuesto el primer baño para un nuevo nacimiento.

Un ritual que en España tiene su equivalencia en la orden religiosa cristiana española Los Hermanos Fossores de la Misericordia que comienza a existir en 1953 y cuyas creencias se asemejan al shintoismo del Nokanshi en que, tal como ellos mismos proclaman, la muerte no es eso que piensan los que no la miran con ojos de fe. No es “muerte-muerte”, es “muerte-vida”, es el pasar al Padre, es el cumplimiento de su promesa. Y del mismo modo que en el ritual zen, los hermanos Fossores se encargan de acoger a los difuntos, acompañarlos a la entrada del camposanto, bendecir los sepulcros y acoger fraternalmente, custodiar y velar, en nombre de Cristo y de la Iglesia, los cuerpos que han terminado su peregrinación terrena. Por lo que más que mirar a la muerte, del mismo modo que el Nokanshi, miran a la vida eterna. Un ministerio que a día de hoy tiene siete comunidades fundadas por toda España y cuya website no tiene desperdicio.

Pero lo que no tiene absoluto desperdicio –volviendo a la película- es la cantidad de símbolos y metáforas que habitan en ella. Véase esa escena con estupendo plano cenital en el que los salmones luchan contra corriente. Unos van nadando mientras viven, otros vuelven porque ya han vivido lo que les tocaba, envueltos en las mismas aguas que componen la vida y la muerte.

Y es que si de logros hablamos, el mayor de esta cinta, aparte de haber sabido acercarnos los valores, ritos y la esencia vital para nosotros extraterrestre de una cultura tan diferente a la occidental, radica en ese acercamiento dulce a la muerte, un tema tabú en cualquier cultura. Ese hacernos conscientes de lo cerca que estamos de ella a pesar de que siempre tratemos de rehuirla. Esa manera tan jocosa de aceptarla como la consolidación de un largo viaje y de naturalizarla con frases como la que suelta el jefe de Daigo mientras están comiendo un pez globo: <<¿sabe rico? Pues está muerto y sabe rico igual>>.

Con semejante solemnidad por parte del jefe de Daigo, cuya interpretación es sobrecogedora y para mí la mejor del film, queda bastante claro cuál es el lazo trazado entre los vivos y los muertos, la condición de unos para necesidad vital de otros.

Así pues, la vida y la muerte están tan poderosamente unidas que no conviene distanciarse en exceso de ella. De ahí que Daigo acabe siendo el nexo y asimismo su propio aprendiz. Un “ente” buscándole un sentido, que necesita del dolor para sentir, que necesita de la muerte para poder ser. Que necesita del vacío desesperante del adiós para encontrarse con quien es, de la destrucción de sí mismo para llegar al silencio y así pues, al sentido.

Porque esa muerte, como diría el escritor Carlos Castaneda, es el único consejero válido que tenemos, así que, cuando te impacientes, vuélvete hacia la izquierda y pídele consejo. Sólo ella te devolverá el verdadero sentido de tu ser, la senda de la vida por la que discurren las certezas, donde mueren las dudas, las incertidumbres, las confusiones, las desesperanzas, las estupideces a las que nuestra consciencia racional nos somete como esclavos en un castillo de espejos mísero y reductible, limitado, estructurado bajo las leyes interiorizadas de nuestra cultura sempiterna y su evolución errónea.

Sólo así podremos salir “vivos” de la vida y tal vez enarbolar la bandera del maestro budista Ejo Takata cuando decía aquello de “Intelectual, aprende a morir”.

SINOPSIS

Daigo Kobayashi, antiguo violoncelista de una orquesta que se acaba de disolver, acaba vagando por las calles sin trabajo y sin demasiada esperanza. Por ello decide regresar a su ciudad natal en compañía de su esposa. Allí consigue un empleo como enterrador: limpia los cuerpos, los coloca en su ataud y los envía al otro mundo de la mejor forma posible. Aunque su esposa y sus vecinos contemplan con desagrado este puesto, Daigo descubrirá en este ritual de muerte la chispa vital que le faltaba a su propia vida.

+ Título original: Okuribito (Departures)

+ País: Japón

+ Año: 2008

+ Duración: 131 minutos

+ Género: Drama

+ Dirección: Yojiro Takita

+ Guión: Kundo Koyama

+ Interpretación: Masahiro Motoki (Daigo Kobayashi), Tsutomu Yamazaki (Ikuei Sasaki), Ryoko Hirosue (Mika Kobayashi), Kazuko Yoshiyuki (Tsuyako Yamashita), Kimiki Yo (Yuriko Kamimura), Takashi Sasano (Shokichi Hirata), Tôru Minegishi (Yoshiki Kobayashi), Tetta Sugimoto (Yamashita), Yukiko Yachibana, Tatsuo Yamada (Togashi), Sanae Miyata (Naomi Togashi)

+ Fotografía: Takeshi Hamada

+ Montaje: Akimasa Kawashima

+ Producción: Toshiaki Nakazawa y Toshishisa Watai

+ Productor ejecutivo: Yasuhiro Mase

+ Música: Joe Hisaishi

+ Iluminación: Hitoshi Takaya

+ Diseño de producción: Fumio Ogawa

+ Productora: Amuse Soft Entertainment

+ Web oficial: http://www.golem.es/despedidas

Puedes verla aquí

Orchid Trip

2010-09-15T10:59:00.004+01:00

Fotomontaje que realicé para la canción "Torn apart" de la banda Orchid Trip. Brighton (UK). Marzo 2010.

Amanece que no es poco

2010-06-24T16:23:00.016+01:00

El albaceteño José Luis Cuerda se ha pasado media vida trabajando. De todas las obras que nos ha brindado, véase por ejemplo las grandes El bosque animado (1987) o La lengua de las mariposas (1999), además de sus trabajos como productor en muchas de las películas de Amenábar, es sin duda ésta la que nos merece mayor estima.

Porque se trata de una obra de culto, que envejece como el vino y que no deja títere con cabeza. Una vez que entras en el absurdo universo de este pueblo con mucha norma pero poca ley, se desata la carcajada y ya no la sueltas durante todo el metraje.

Y es que cuando Teodoro estrena su año sabático acompañado de su padre no podían haber decidido mejores derroteros que estos. El sidecar que le acaba de regalar su padre les llevará a introducirse de lleno en La Mancha para acabar arribando a este pueblo aparentemente desértico. No se escucha nada ni a nadie hasta que por fin aparece un negro haciendo zigzag por las calles. A partir de aquí el misterio o la peculiaridad están servidas: todos los habitantes están en misa. Porque en este pueblo se va a la iglesia todos los días.

Así que cuando los lugareños salen de la santa misa, el pueblo, que funciona a modo de sátira de la realidad, muestra las extrañas peculiaridades de todos y cada uno de sus habitantes. Un abanico de rarezas que va desde labradores intelectuales que plagian a Faulkner hasta borrachos que se desdoblan, suicidas obstinados, catecúmenos putos, señoras que traen niños al mundo cada vez que estornudan y, cómo no, forasteros con intenciones todopoderosas.

Nada en Amanece que no es poco tiene sentido. Y es precisamente esta su grandeza. Cómo cada detalle, cada particularidad en los diálogos chirría al mismo tiempo que engancha. Por su naturaleza animal y por su rareza natural, como si encontráramos en ella el equivalente español a la ingeniosa La vida de Brian (1979).

Y por si fuera poco, José Nieto que se encargó de la música original, añade el toque culminante con la fabulosa ópera de G.F. Händel Rinaldo y el Turandot de Puccini dándole al guión ese aire apocalíptico donde lo grotesco se funde con lo anodino conformando una obra para el recuerdo. Una sátira de la España “libertina” de fandango y pandereta que, tras años de represión, no sabe muy bien dónde ubicarse política e intelectualmente y da como resultado este absurdo manjar social.

De hilarantes diálogos donde nada sobra ni falta. Donde además se trata de echar una lanza en favor de las costumbres más arraigadas de los pueblos, de sus modus vivendi y de cómo en ellos la esfera pública se mezcla naturalmente con la privada sin que existan fronteras. Porque aquí lo local es vox populi, y porque en este pueblo –aún más si cabe- si somete a votación hasta quién se presenta a puta, adúltera, marimacho o tonto del pueblo para el nuevo ejercicio.

Y es que Molinicos, Ayna o Liétor son algunos de los albaceteños pueblos donde se rodó esta película cuyo estreno no hizo mucho ruído – fue nominada a mejor guión, mejor sonido o mejores efectos especiales pero no consiguió ninguno- pero que con el tiempo ha ido ganando adeptos y verdaderos fanáticos. De hecho, con motivo de su XX aniversario, la Junta de Comunidades de Castilla La Mancha decidió poner en marcha una ruta por la Sierra del Segura para dar a conocer cada uno de los escenarios y las localizaciones del film, probablemente lugares y gentes en algo similares a las que Cuerda nos muestra.

Porque para prueba, la anécdotas que se cuentan acerca del rodaje en Molinicos, ya que durante aquellos días apareció un señor mayor con una escopeta del doce al que la guardia civil decidió parar para preguntarle a dónde iba. ‘A pegarle un tiro a los del cine, que me tienen harto’.

Con semejante comentario, se podría decir claramente que Amanece que no es poco fue el vivo reflejo de la Castilla de su tiempo, como podría serlo ahora el humor manchego y absurdo de programas como La hora chanante que acabó derivando en Muxaxada Nui.

Así pues, es de agradecer a Cuerda el haber sabido dar lo mejor de sí, el haber sabido reírse de todo y de todos sin tapujos en esta pequeña obra maestra, que mientras vas saboreando a carcajada batiente, acabas por cogerle cariño a todos y cada uno de los personajes, porque en su rareza, acaban pareciéndonos quizás los más cuerdos del mundo.

Así que sin más o menos redundancia, gracias Cuerda por tanto o tan poco cuerdo. Siéntense y disfruten.

+ Dirección: José Luis Cuerda
+ Guión: José Luis Cuerda
+ País: España
+ Año: 1988
+ Duración: 110 minutos
+ Interpretación: José Sazatornil (Cabo Gutiérrez), Carmen de Lirio (Doña Rocío –su señora), Francisco Martínez (Sixto – su hijo), Pastora Vega, Chus Lampreave, Manuel Alexandre, María Isbert, Miguel Rellán, Guillermo Montesinos, Rafael Alonso, Antonio Gamero, Gabino Diego, Ovidi Montllor (Pascual), Carmen Rodríguez (su mujer), Rafael Díaz (Fermín), Amada Tercero (su mujer), Cassen (cura párroco), Manuel Alexandre (Paquito –su padre), María Ángeles Ariza (Merceditas –su prima), Rafael Alonso (el alcalde), Fedra Lorente (Susan –su amiga), Cris Huerta (Tirso –el mesonero), Elisa Belmonte (soprano), María I. González (pianista), Paco Hernández (Don Roberto – maestro escuela), Juan Ángel Martínez, José Vicente Palacios, Juan Moreno, Ana María León, Llanos Ródenas y más (niños y niñas), Samuel Claxton (Nge Ndomo), Chus Lampreave (Álvarez –su madre), Alberto Bové (Pedro –su tío), Luis Ciges (Jimmy), Antonio Resines (Teodoro), Aurora Bautista (La Padington), Arturo Bonín (Bruno), María Isbert (Adelaida –la hija), María Elena Flores (Aurora –la madre), Paco Cambres (don Alonso –el médico), Queta Claver (Doña Remedios –su mujer), Miguel Rellán (Carmelo –el borracho), Rosalía Dans (Gabriela –su mujer), Pastora Vega (Helena -la labradora), Fernando (intelectual), Luis Pérezagua (aspirante a intelectual), Ferran Rañé (Mariano), Antonio Passy (Garcinuño), Guillermo Montesinos (suicida permanente), Enrique San Francisco (Cascales), Daniel Romero (El Gobernador que canta), Gabino Diego (portavoz americano).

+ Productora: Compañía de Aventuras Comerciales, TVE, Paraíso

+ Producción ejecutiva: Antonio Oliver, Jaime Borrell, José Miguel Juárez

+ Jefe de producción: Carlos Ramón

+ Ayudante de dirección: Emiliano Otegui y Gabriel Villanueva

+ Fotografía: Porfirio Enríquez

+ Dirección artística: Fernando Saez

+ Montaje: Juan Ignacio San Mateo

+ Sonido: Carlos Faruolo, Enrique Molinero, Jorge Ruiz, José Vinader

+ Música original: José Nieto

+ Vestuario: María José Iglesias

+ Maquillaje y peluquería: José Quetglás, María Carmen Clavel, Marita Sánchez, Mercedes Guillot

+ Eléctrico: Miguel Ángel Cárdenas

+ Departamento editorial: Esperanza Cobos

SINOPSIS

Teodoro, es un ingeniero español que trabaja como profesor en la Universidad de Oklahoma, en Estados Unidos, regresa a España para disfrutar de un año sabático. Descubre al llegar que Jimmy, su padre ha matado a su madre, y éste le compra una moto con "sidecar" para recompensarle por la pérdida. Juntos llegan a un remoto pueblo de montaña donde se encuentran con unas extrañas gentes: un sacristán a punto de subir en cuerpo y alma a los cielos, o una mujer que tiene plantado en su huerto a un hombre.

Los límites del control

2010-05-20T01:09:00.030+01:00

No son muchas las veces en que aparecen por cartelera algunas rarezas visuales difíciles de encajar. Ese tipo de obras que al terminar no aciertas a saber si te han gustado o no, si quizás no habrá un escena que falte o que sobre para llegar a su comprensión total, o si simplemente habremos dejado escapar un elemento clave, imperceptible a simple vista.

Luego simplemente piensas: de acuerdo, se trata de Jim Jarmusch. Y casi con eso debería estar toda incógnita explicada, o ninguna, según se mire.

El outsider de Ohio, al que hemos podido degustar en cintas memorables como Extraños en el paraíso (84’), Bajo el peso de la ley (86’) o Coffee and Cigarettes (03’), tiene muy claro cuál es el punto de vista desde el que prefiere filmar la realidad.

La abundancia de tiempos muertos, la escasez de diálogo o el desarraigo de sus personajes como factores insignia de su cine vuelven a estar presentes.

Ahora se trata de un hombre, Isaach de Bankolé – al que recordamos por su solemne bestialidad en Manderlay (Lars Von Trier, 05’)- que aterriza en Madrid con cometido desconocido. En su misión se irá cruzando con toda clase de personajes a los que podríamos llamar piezas de un puzzle oscuro, metafórico y laberíntico que, aunque no arrojan mucha luz argumental, dejan entrever la verdadera naturaleza de este héroe que funciona a modo de Mesías del arte, de una religión que sólo Jarmusch y sus múltiples feligreses independientes profesan.

Porque para entender el propósito de la cinta no basta con asumir los cánones narrativos del director. La primera norma es no dar nada por sentado, y con esto nos referimos a que, aunque la cinta destila cierto aroma a suspense revisionando a su vez a los viejos forajidos del Oeste en versión posmoderna, ni un género audiovisual ni otro nos sirven para enderezar un planteamiento corriente. Aquí no hay evidencias. Sólo pequeños detalles tales como diamantes, mensajes codificados y monólogos completamente apasionantes acerca de las diferentes manifestaciones artísticas como vehículos para alcanzar la libertad.

La pintura, la música clásica, las drogas, el cine, la Bohéme y su posterior movimiento, son algunos de las premisas establecidas para ayudarnos a entender cuál es la orden que el hombre solitario ha venido a ejecutar.

Y en este paseo por su conciencia, Jarmusch nos brinda, de la mano del fotógrafo Christopher Doyle –el siempre compañero de Wong Kar Wai- increíbles paisajes de los campos de Castilla recortados por las gigantes hélices de los molinos, de la Madrid profunda –con ese espectacular edificio de Avenida de América que anecdóticamente nos recuerda a la portada del disco de Wilco, Yankee Hotel Foxtrot- o con la Sevilla menos turística de oscuros y misteriosos callejones, donde se cuecen los mejores y más puros saraos flamencos.

Toda una transgresión visual que le da ese toque de videoclip abstracto principalmente rompedor porque nadie hasta la fecha había hecho de la entrada de Madrid por la carretera de la Coruña un paseo visual tan atractivo, con rotondas y peajes incluidos sin apenas perder un ápice de estilo.

>Y tanto tiene que ver aquí el tempo como la música, ya que con temas como Fuzzy reactor, cuyo autor es el propio compositor de la banda sonora, Boris, o ese shoegaze drone de Omens and portents 1: The driver, de Dylan Carlson, es fácil de conseguir ese aura sofisticado. Por no hablar de ese alegato flamenco que se deja oír varias veces a lo largo del film, El que se tenga por grande, de Talegón de Córdoba, La Truco y Jorge Rodríguez Padilla.

Todo ello conforma ese estilo clásico pero futurista, de cambios de ritmos tan pausados como atropellados que nos recuerda a películas como 2046 de Winterbottom, o simplemente a Jarmusch en estado puro.

Un tipo que para esta ocasión ha contado con un elenco de lujo, donde destacan con luz propia John Hurt, Tilda Swinton o Luis Tosar, aunque el impertérrito hombre solitario trabaje duro por sobresalir en ese viaje que le lleva a cruzar España. Un recorrido en el que la pintura también es un elemento de vital importancia. Véanse el Madrid desde Capitán Haya (1987-1994) de Antonio López, el famoso Violín (1916) de Juan Gris, o finalmente esa alegoría que ilustra el final del viaje, Gran Sábana (1968), de Antoni Tàpies.

Y es precisamente toda esta cantidad de símbolos y sutilezas la que muestra que Jarmusch ha ido madurando su cine del modo más heterodoxo posible y que cada vez más tiene menos miedo y siente menos fronteras.

De ahí que se trate de una película antigénero y, como no podía ser de otro modo, completamente anticomercial, imposible de comercializar no sólo por la forma sino por el contenido, por arremeter soterradamente contra la mano que le da de comer.

'El universo no tiene centro ni bordes, la realidad es arbitraria', se escucha constantemente en la película. Y es así como se entiende. Sin patrones, con la absoluta libertad compositiva con la que ha creado este anarco alegato sutil para expresar el sentido cíclico de la vida, la laberíntica forma de llegar a un líder, y la poderosa arma libertaria que nos ofrece nuestra imaginación.

La única pega a destacar de la película es que quizás, al estar tan profundamente despojada de los elementos esenciales y ser tan simbólica, con tantos motivos discordantes, puede conducirnos a estar haciéndonos interrogantes todo el tiempo y no acabar entrando en el juego.

Aunque quizás ese sea el error cuando se trata de Jarmusch. No buscar razones puede que sea lo más inteligente, así que mi consejo es simplemente sentarse a disfrutar del enigma, de los enclaves por los que agradecer a Jarmusch no haber querido mostrar la España de los clichés de fandango y pandereta o de la posé barcelonesa que a veces muestran algunos cineastas, véase el ciclé fashion de Vicky Cristina Barcelona (1998).

Así que sin más, siéntense y disfruten de las incógnitas, que para mostrar planteamiento-nudo-desenlace ya están otros.

El que se tenga por grande

que se vaya al cementerio

ahí verá lo que es la vida

sólo un palmo de polvo

SINOPSIS

Este thriller dramático sigue a un hombre solitario y misterioso que desempeña sus actividades fuera de la ley. Ahora se encuentra en España para completar un encargo cuyos objetivos son inicialmente desconocidos. Su aventura no sólo le conducirá a través del país, sino también a través de su propia conciencia.

+Título original: The Limits of Control
+ Dirección: Jim Jarmusch
+ Guión: Jim Jarmusch
+ País: EEUU
+ Año: 2009
+ Duración: 110 minutos
+ Interpretación: Isaach De Bankolé (el solitario), Bill Murray (el americano), Tilda Swinton (la rubia), John Hurt (el guitarra), Gael García Bernal (el mexicano), Paz de la Huerta (la desnuda), Hiam Abbass (la conductora), Youki Kudoh (las moléculas), Luis Tosar (el violín), Óscar Jaenada (el camarero), Jean-François Stévenin (el francés), Alex Descas (creole), Héctor Colomé (el segundo americano), María Isasi (la camarera del bar flamenco), Norma Yessenia Paladines (asistente de vuelo), Alejandro Muñoz Biggie, Cristina Sierra Sánchez y Pablo Lucas Ortega (los niños sevillanos), La Truco (la bailaora de flamenco), Talegón de Córdoba (el cantaor flamenco) y Jorge Rodríguez Padilla (el guitarrista flamenco).

+ Producción: Gretchen McGowan
+ Producción ejecutiva: Jon Kilik, Yuki’e Kitô

+ Producción asociada: Carter Logan

+ Música: Boris

+ Fotografía: Christopher Doyle

+ Montaje: Jay Rabinowitz

+ Diseño de producción: Eugenio Caballero

+ Vestuario: Bina Daigeler

+ Maquillaje: Ainhoa Eskisabel, Eva Quilez

+ Arte: Verónica García, Tomás Gómez, Raúl Monge

+ Sonido: Brian Bowles, Ryan Collison, Robert Hein, Mike Howells, Bobby Johanson.

+ Efectos especiales: Pau Costa, Javier H. Moneo, Esteban Roma, Raúl Romanillos

+ Casting: David H. Kramer

+ Distribuidora: Universal

+ Web oficial: http://www.thelimitsofcontrol.com